如何将声乐发声技巧与作品表现结合
不断寻找作品中真挚情感并与发声技巧完美结合
杰出的音乐作品不仅需要声的体现还要有情的融入，是歌者对曲作者情感理解的外化形式。我们相信只要通过勤学苦练，任何的歌唱发声技巧都是可以通过后天的培养获得的，但是情感这个歌曲的核心部分是比较难把握的。所以在日常的训练中不仅要不断追求发音技巧的纯熟还要不断的调控融入动人的情。无论是舒缓的、激扬的、抒情的、动感的都要用一种情绪恰到好处的宣泄带给听众非同一般的听觉盛宴，通过情感来制造渲染力能够将这种气氛围绕在听者的四周，回响在耳边，正所谓绕梁三日不绝。作为歌手，我们想要表达的是悠远的曲作意境，听者希望能够得到的是历久弥新的回味。
歌者应该通过自身的表现来满足听者所需。这就可以解释为什么有的歌手并未受到过专业的技巧发声训练但是依旧能够博得众彩，而有的专业歌手却让人感觉到千篇一律，没有耳目一新的感觉。艺术是一种社会人群共同形成的文化气息。这种情感的释放需要有人去做出回应。人是社会的动物，而音乐作为艺术的一种具象的分支，也需要在社会化大群体中用情去沟通，用情去解决问题。演唱也是在解决问题，需要用情感去构建灵魂的家园。所以需要用理性的认知去升华情感的层次，展露出新的迸发性的脉动。作为专业的歌手需要将内在的情感进行有效的宣泄，与完美的技巧合二为一，带给听者以超凡脱俗的听觉感受。
在追求完美发音技巧的同时绝对不能忽视情感在作品中凸显的艺术表现的张力，再高超的技术在作品表现的时候就类似于摆设的花瓶，不过是每个过客临行时的一瞥，不会给人心灵上带去任何震撼的感受，一切只不过停留在那一瞬间，没能够有长久的记忆与回味，因为它是空洞的、是没有思想的、没有内涵的，勾不出人们心中浮华背后的安逸，留不住灯红酒绿的宁谧温馨，栽不下永不凋零的青春之花。音乐要的不是行尸走肉的躯体，要的是具有华丽外衣下的返璞归真。如此才是情感和技巧在曲目中的'完美结合。
声乐技巧在歌唱艺术表现中的作用
声乐技巧包括很多方面的内容，比如发声、咬字、音色、气息的把握、内容的表达等，是歌者表现歌曲的基础。歌者只有经过长期的声乐技巧训练，做好技巧与情感的融合，才能赋予作品新的生命。
一、用音色变换手法来塑造艺术形象
美声唱法包含的技巧的领域很广，可以在不同的层次之间进行转变，对于共鸣效果无疑是最具表现力的。这种共鸣能够起到一石二鸟的作用，能够在音量和音色方面实现双丰收，在提高了音量的同时又能圆润音色的美感。美声唱法还能够有效地组织各个发音的部分团结一致，各司其职，分别在不同的时候构成不同的演唱发声组合，特别是在一些需要用技巧来衬托的难度性的发音上，各个发声器官能够通力合作犹如一个庞大的乐团，每个发声器官就是乐团中的每个乐手，在人思维的指挥下不断地演艺出一段段美妙的旋律，大大丰富了声乐作品的艺术表现力。
音色是指演唱者声音的个性特色，是区别于其他歌手的一个很重要的方面，但多数情况下是天生自然形成的，虽然可以经过后天的修饰，但整体不会跨度过大。音色可以带有情感，也并非总是空洞、没有内涵的。音色也可以被比作是人的性格，音如其人。音色也可以给听众带来重要的审美愉悦和情感体验，听者会有一种思维模式来判定某种情况下用哪种音色来诠释更好。在听众的期待中，表现节日欢庆和喜悦情绪的歌唱一般音色嘹亮，开朗且有弹性;痛苦的哭诉和悲伤失望的歌唱一般比较平淡沉闷。所以歌唱者应根据不同的歌唱风格、情感、内容、适当调整歌唱时声门的闭合状态、喉头高低、气息的力度，共鸣腔使用的程度等以获得相应的音色。
二、用声音的快慢来表现曲目的张力
歌曲的表达很重要的一点就是节奏，听者在听的过程中也会受到这种节奏感的制约，这种节奏的双方均衡使得歌者在演唱的时候对于音律的掌控要拿捏得十分到位，节奏的控制主要涉及曲目的快慢，在演唱歌曲速度比较快时，虽然嘴中歌速较快但内心却是安稳的，只有内心的稳定才能保证每个小节的节奏不乱，特别忌讳的是在演唱快速歌曲的时候抢拍，给听者以很忙乱的感觉，让人很不舒服。要让人觉得快的很安然、很稳定，不会因为演唱者的失误而提心吊胆，既能体现出旋律的美感，词意也能很清楚地表达出来。
慢曲子常有延长的单音，唱这种长音不能只是呆滞地唱完时值，而应该在延长时做到情绪上有发展、征引上有流动的变化。慢曲子一般更深情，故演唱时应该更富有激情。不同情况下的曲目要做感情化的处理即所谓的稳中有变，变中不乱，单位音节的长度要控制好，同时要与词义相协调，某个部分的延长或缩短要做到恰到好处，不能让听众感到某个音节时间过长显得拖拉，使后面的音节无处安放，让整句歌词处于一个很尴尬的位置。因为这样这就失掉了发声技术的精华部分，其它的地方再好也是无用之功。
三、用声音强弱对比来处理歌曲的开头与结尾
在歌曲的表达当中，要学会处理好强弱关系。强音不是用蛮力，要恰到好处、有节制，应该以兴奋、轻松、从容为好，这样才能更好地表达感情。强音不能从头到结束都一样强，而要以感情的发展为动力，使声音向前运动，结束时自然到位。在一首曲子中多数音只需要用中等音量甚至较弱的声音唱，强音一般只是少数乐句中的少数几个音。弱音应和强音一样地用气，一样地把声音和情感释放出来，弱音也可以很丰富、开阔、有共鸣。因此，在歌曲的演唱中，一开始就应当恰到好处地运用强弱的变化，凝聚起所有的情感，倾注于第一声发出的瞬间，使演唱一开始就能达到“先声夺人”的效果，从而为整首歌曲感情的流畅抒发打下良好的基础。
四、用延长高音时值的办法来渲染歌曲高潮
多数听众都会很期待曲目高潮的部分，所以这个部分的处理就显得特别重要，要坚持常规中的各种技巧原则，同时也要打破常规，给听者带去惊喜。所谓歌曲高潮，就是歌曲主题思想最集中、最突出的地方，也是整首歌曲感情最浓厚的地方。此时，歌曲的旋律与情感均已发展到了最高峰，不论是对歌曲本身而言还是对于歌唱者自己本身的声乐技巧而言都是一个很好的考验。歌曲的高潮是最能对听者产生强烈音响刺激的部分，它能促使听者获得听觉上的满足，同时在心理上产生一种强烈的震撼。此时我们需要用一些特殊的技巧比如演唱高音时值来不断地展现感情涌动的效果，在一波未平一波又起的感情堆叠中，勾出听者的共鸣。
坚持艺术再现的原则“艺术第一，技术第二”
美妙的歌声总能够给人以荡气回肠的梦幻质感，音乐的组成一直以来都是相互的，是由演唱者和听者来共同完成的，再流畅的音符也需要有人来演绎出来，同时再动听的歌声也需要有人能听得懂。技术和艺术之间的微妙关系也形同如此，虽然音乐由声音构成，是通过声音来叙述的一种艺术形式，但这其中也需要人来驾驭用什么样的声音来呈现在听者耳边，而最难驾驭的部分也就是曲目情的基调部分，不同人对于不同曲目的理解不同，即便是理解相同但对于曲目所要表达的感情程度的感受也不同，即便是感受程度相同在演唱过程中对于情感的诠释又不尽相同，对于听者来说，他们对音乐的解读同样如此。而我们演唱要做的正是要通过自身对于曲目的内化再到外化的一个过程，通过独有的一种表现形式加之高超的技巧来表现喜怒哀愁，以及多种复杂的情感转换。
不同的人表现出来的曲目灵魂不同，不同的听者所能听出的真谛也不同，这是因为艺术的维度甚宽、艺术的张力甚强、艺术的魅力无穷，是艺术的本身所在。基于此点，在教学和学习期间，要将艺术的表现力作为一个重要的方向去研究和揣摩，就需要演唱者提高发音技术之外的综合素质和修养。在日常的学习中体会每个成功演唱者是如何来诠释艺术表现力的，借助外力融入自我的东西逐渐形成具有自我风格的演唱模式。在此我们要明确一个很重要的观点，学习发音技术其实是在为歌唱的内容做基础的。尽管高超的演唱发音技术能够博得众彩，但是演唱的最高境界不仅仅是对技术的夸赞而是希望以一种很特别的方式让听者感到无以言表，无法用词汇去表述的那种很讶异的感受，是只可意会不可言传的感觉。
总之，技术只是空洞的躯壳来展现音乐的美感，情感内涵才是曲目的本质。意大利声乐专业兰佩尔帝曾很贴切地说过这样一句话“嗓音不等于一切，因为歌唱家必须表达出诗人和作曲家的灵感，因此他们必须有天生的热情和崇高的心灵，否则他们不会成为一个具有风雅艺术趣味的歌唱家，而是一个喊喊叫叫的人。”一个真正可以称为艺术家的歌者不仅仅能够驾驭演唱技术，同时能够控制情的发散。